维伍德画廊荣幸于香港空间首次全面呈献艺术家佐兰·穆西奇（Zoran Music, 1909 -2005）的作品个展。本次展览涵盖了他1960年代至1990年代的作品，呈现了穆西奇反復创作的多个系列。这次画廊展览与穆西奇在故乡戈裏齐亚（Gorizia）于Palazzo Attems-Petzenstein举办的大型回顾展相呼应，以纪念他逝世20周年。

佐兰·穆西奇可以被视为他那一代中最重要的画家之一，他在欧洲许多国际博物馆举办了多次大型展览，职业生涯漫长且影响深远。穆西奇出生于奥匈帝国的戈裏齐亚附近（今斯洛文尼亚），他的绘画与他在二战期间被囚禁在达豪集中营的严酷个人经歷密切相关。他的艺术源自痛苦与折磨的主题，但始终蕴含着生存与希望的积极音符。穆西奇的作品代表了一种超越时间的探索，生涯中有几个主题反復出现：风景、人物、植物图案、教堂和自画像。他转向宁静和冥想，并将其转化为绘画与素描。他的艺术深具诗意，色彩运用克製，风格融入了抽象元素。展览的第一间房间聚焦于穆西奇1950年代末至1960年代初的风景画。他在这一时期对这些风景进行了热忱的描绘。战后，他常常回到儿时的风景：达尔马提亚海岸和喀斯特山脉的乡村环境，这是一片严酷的地中海土地，延展在巖石和丘陵之间，形成于可溶巖石的溶解。1960年的《喀斯特阴影》（Ombre sul Carso）和1957年的《伊斯特利亚的风景》（Estate in Istria）是惊艳的作品，显着的暗影线条和色彩斑斓的点缀从梦幻的背景中突显出来。《意大利图案》（Motif italien，1963）展现了丰富的色彩组合，包括翁布裏亚土色、紫色、赭色、蓝色、绿色和粉色。极其细腻的笔触具有非凡的轻盈和韵律感。虽然它们看似抽象作品，但实际上是拜占庭、达尔马提亚和意大利地理的诗意印象，展现了穆西奇反復出现的关于孤独、精神性和静默的主题。第二间房间展示了1970年代的作品，穆西奇在此期间专注于植物和自然主题，如树木和植物。这些作品是在他备受赞誉的系列《我们不是最后一代》（We are not the last）之后创作的，他将自己在达豪的恐怖经歷转化为普遍悲剧的记录。这些纠结的枝干和根系让人联想到身体的戏剧性交织，但却呈现出新的活力。杰出的斯洛文尼亚艺术歷史学家和策展人戈伊科·祖潘（Goyko Zupan）称这一系列为穆西克作品中「最具生命力的周期」。1「它们受到法国瓦尔省烧焦的软木橡树林的啟发，以及逝者交错的手指和肢体的演变。纠结的树枝、根系和树干遍布画布的整个表面。当五十年代的穆西奇回忆起维也纳分离派的席勒和克林姆特时，他产生了类似的构思，而现在通过一种不寻常的途径在他的金绿色风景中重復出现，描绘着树木。」 起初，树木和根系看似沈默、严峻和克製，但靠近观察时，丰富多彩的色调让它们变得明亮而充满生命，宛如新世界的见证。最后一个空间展示了1980年代中期的作品，展现了他最爱的城市威尼斯，在那裏他重新找到了自由，并在那裏度过了大部分生活。这也是他与生命挚爱相遇的地方：伊达·巴尔巴裏戈（Ida Barbarigo）。穆西克和巴尔巴裏戈一样，喜欢在城市中漫步，观察光线变化如何改变城市的天际线和建筑。他常常画教堂，也画城市风景，如着名建筑莫利诺·斯塔基（Molino Stucky）或朱代卡（Giudecca）。这种对阴影和光线的痴迷，可以与克劳德·莫奈反復描绘鲁昂大教堂的作品进行比较——艺术家每次都在捕捉瞬间的另一种印象。穆西奇更关注威尼斯大教堂的内部，光线如何透过高高的拱门窗户洒入，如何将建筑转化为神圣之地。这些宗教空间的黑暗氛围，缺乏人类身影，唤起孤独和神圣沈思的感觉。光与暗的交织，与他对人类痛苦和韧性的更广泛艺术探索相呼应。1985年，威尼斯双年展专门为穆西克设立了一个展厅，专门展示这批大教堂的内部空间的绘画。在各种主题中，佐兰·穆西奇始终忠于自己的独特绘画风格：他以最少的手段进行绘画。在与迈克尔·佩皮亚特（Michael Peppiatt）的采访中，他说：「我知道材料可以非常美丽，但当油漆层厚重时，它不过是物质，缺乏灵性。」