艺倡沙龙很高兴呈现群展「来去有踪」汇集了艺术家邓颖妍、叶伟靖和张颖欣。这次展览是画廊与策展人黄熙婷的首次合作，也是我们第一次在画廊展示这三位才华洋溢的艺术家。

他们同样感兴趣于探索在日常生活中被忽略的各种痕迹。从地板污渍到剥落的墙壁、闹市废弃物到荒郊野草，被丢弃或遗忘的事物为他们带来无尽的灵感，而三位艺术家透过运用笔触、色彩或材质，将日常生活痕迹所蕴含的信息转化成不同视觉隐喻，引发有关当代生产与消费、大自然衰败与再生、个人情感与社会系统的联想。划分地域与歷史 
过去十年， 邓颖妍（1990年出生）都在位于新界古洞的工作室创作，占地万呎的铁皮屋改建自她父亲的家族从1960年代传承下来的木工厂。儘管工作室炎热简陋，邓颖妍从这片一直被计画发展成新都会区，却仍然野生不羁的自然环境中得到源源不绝的灵感。有感于日常观察，她尝试拓展「风景画」的规范，透过抽象视觉语言表现大自然和人造发展之间的角力。她的创作虽然抽象，但亦有某些经常出现的造型：犹如城市涂鸦抑或茂密草木的庞杂笔触；像颓垣败瓦的柱体形态；暗喻毁坏的刮痕等等。邓颖妍的绘画手法形成一种塑造空间竞争的视觉语彙，引伸各种有关艺术家自身家族歷史、土地收回及发展、边界扩展及侵佔的隐喻。她的抽象风景驱使我们反思自身在城市社会及未知地域的位置，以及不懈发展和土地划分所带来的后果。

记录多重视角及感知 
对于叶伟靖（1989年出生）来说，绘画不单是自我表达，更是一种思维模式。他发觉透过将日常生活所有情境和观察当作「绘画」——亦即是把一切化作线条、色彩和形状去看待——他能够抽离自己主观的角度，从其他视角体验和理解世界。绘画作为一种感知和思考的模式让他摆脱世界规范的一些既定观念和系统，而他的审美亦自然而然地偏向抽象所给予的开放性。儘管画题往往指涉确切的情景，例如「They aren’t waiting」（2025），但他透过高度精准细腻且耗时的过程将色彩叠加，永远显现出模棱两可、耐人寻味的画面。绘画过程中一定会衍生一些叶伟靖预料之外且必须包容的效果和不可控的因素，而当画面上的变数和抉择达至某种平衡或者饱和，作品方为完成。他的绘画成果多时出现黏稠的形状、緻密的薄膜、寂然斑驳的锈纹等，偏离象征表现和固定意义，更强调不断变化的印象，邀请我们将感知投向日常生活中那些被匆忙略过、遗忘于角落的细枝末节。

以物料见证时间 
张颖欣（1993年出生）主要以雕塑为媒介，热衷于研究和发展不同天然物料。她认为所有物料都具有自己独特的语言，而她在创作时亦着重保存和彰显不同物料的特性。基于她对物料的研究，她也涉猎相关的传统工艺，例如造纸、竹编和木工等。她的很多创作都是针对技巧和物质性的实验，比如「Trial Piece C60St90>C100St50」(2025)，而不少作品都运用一套她自创的编码系统命名，记录着顔色、材质、结构、时间和其他影响作品最终呈现的因素。张颖欣为本次展览创作的全新大型雕塑探索时间的流逝：陈旧的家具被多层植物纤维改造，而沉积物形成的粗糙纹理将简陋的椅子和茶几转化成遗弃、缺失的暗喻；以纸浆技术塑造的躯壳像是老旧的家具盖布，亦是映射过去和回忆的萧索意象。

三位艺术家的实践虽在技巧和媒材上各有不同，但同样致力于反思我们在日常生活、社会面貌、自然环境以至歷史长河中留下的印记和痕迹。「来去有踪」邀请观众想象到底有哪些事物被我们遗留在过去，又有甚么能伴随我们到未来。