观想香港: 四种岛屿山水的墨 • 色想像 邀请四位香港年轻的水墨画家—陈钧乐、郑丹珊、沈君怡、邱荣丰，以水墨设色、白描、工笔设色等中国传统技法，表现由大小岛屿、半岛、陆地组成，海域环绕的香港山水。本次展览可视为科大2017年《图绘香港》展览的延续。前次展览聚焦于画家各具特色的香港风景描绘，是次展览则鼓励画家探索对香港独特地景的主观感知、观看与想像，从而反思个人创作与水墨传统、师法自然的关係。

山水在十世纪成为中国绘画最重要的主题，南北迥异的自然景观，同时也孕育出风格技法各不相同的山水画大师。随着画派风格的建立，技法代代相传，师心、师古人、与师自然，逐渐成为画家定位自己创作方向的思考课题，例如北宋米芾认为画为「心画」，明末董其昌强调「落笔之顷，各有师承」「岂有捨古法而独创者乎」，石涛宣告「我用我法」「山川使予代山川言也…搜尽奇峰打草稿也」，不同时期、不同画家的创作理念，反映了不同的侧重与追求。至二十世纪初，由于中国现代化的诉求与西方绘画的衝击，传统绘画的存留或变革、中西绘画传统的取捨或融合等议题，成为画家关注的新焦点，画家创作定位的认同也日益复杂。

二十一世纪的香港，中/西、传统/现代等二元辩论已不再是迫切的时代议题，画家既不须肩负保存国粹的使命，也没有是否采用西法改良国画的焦虑，以传统水墨为创作媒介，成为画家个人的主观选择。四位参展画家皆毕业于大学院校的艺术科系，接受过全面而系统的中西绘画史以及绘画技法的训练，学习古人的笔墨传统是他们创作的起点。当他们们面对如何描绘生于斯、长于斯的香港地景时，应该师心？师古人？还是师自然？这些古代画家思考的课题，似乎重新进入了画家创作的探索，并被注入了新的意涵。

香港风景的大量入画，始于上世纪五、六十年代，随着南来的传统国画家开始将目光转向栖居之地，并发现了「可入画」的香江景色，香港风景写生蔚然成风。伴随着港人对本土文化的情感认同日益加深，各种远足写生活动，香江入画的展览，至今方兴未艾。四位画家是次参展作品的重点却不在写生，他们所聚焦的自然景观，也并非由旅遊文化所建构出的着名地标，而是画家目所绸缪、身所盘桓的地点，是山行途中的偶遇，是已被拆解封存的地景记忆，或分段取景再重构的香港山岛。四位画家尝试超越前人的视角，以师诸心的观看方式，透过主观想像与情感连结，为观者展现香港风景前所未有的视觉感受。

陈钧乐的《流浪者之歌》以旅人独特的视角，将行山偶入的荃湾川龙树林一隅转化爲超写实的场景，或俯视林地茂盛生长的植物和满地落叶，或仰望充沛的瀑泉穿过树干凌空而下。传统的白描线条在画中被赋予更丰富的变化和表现力，或浓或淡、或粗砺转折、或圆转、或细整、或轻柔，它们虯曲为交缠的树干，流泻为瀑布，飘浮为浓雾，编结为细韧而又易破的蛛网，离散为即将隐入尘土的落叶。丰富多变的线描有如时而澎湃、时而温柔、时而感伤的交响乐，交奏出大自然狂野的创造力，以及个别生命的渺小与不确定。在《谷埔》组画中，徒手而画却坚实又工整的线描，将无人的村屋堆疊成岛，一边是杂草蔓生的倾颓老屋，被盘根错节的老树入侵佔据，一边是修整焕新后等待归人的空屋空船，对比出自然摧枯拉朽的破坏力与人事重啟的生机。

郑丹珊工笔设色的小景，带给观者沈浸式的冥想体验。《捕风夜》中的蟹洞幻化为星空下与世隔绝的海边，一叶孤帆驶入岩壁环绕的潮池，噗噗马达声和夜风中轻捲的浪花在空间中回荡，并吸进了岩壁细细的皱摺中，浓闇的岩彩加深了静谧的孤绝感。《远见》将鹤咀描绘为有如通往桃花源的岩洞，照进了海天光束的一弯洞口，是渔人对来时路的回首？还是归路的张望？《拂晓时分》白沙湾的海岛由深绿、深蓝而墨蓝，以颜色的渐变层层远去，泊在港湾的点点白帆和岸边一带屋舍，仍在淡淡的月色下沉睡。《晨雾》的清丽设色照亮了海上的潋潋晨光，如海上仙山的果洲群岛正准备迎接一日之始。画家拓宽了传统工笔设色的色彩，以丰富变化的色调烘染出不同时光地景的诗意与感染力。

锺情看海看船的沈君怡，将她对《果洲群岛》、《香港仔避风塘外》、《欣澳外海》的观察，拆解为以色、墨细细描绘的不同景物元素，分格收进藏景柜中，有些相对完整，有些被切割，有些连绵数格，如同被定格在大脑中关于特定时空细节的记忆残片。藏景柜也像清宫收藏古玩的多宝格，同时收纳与展示画家珍藏的微缩景物，让观者可以近距离的细细欣赏与把玩。它们也可视为绘画创作的粉本库，等待画家或观者将它们重新组合为我们熟悉的山水画。在《景观模型》组画中，谷埔风景被进一步解构为建筑模型的模具配件，灯塔、防波堤、船隻、屋宇等，静静连结在墨黑的模具板上等待组装，如同传统山水中的景物元素，可以透过临摹画谱粉本不断复製、置换与重组，画家在纪录谷埔风景的同时，也在反思传统山水的学习与製作方式。

传统山水由临摹古画入手，清初以后文人画家更以董其昌所倡导的仿古为宗，导致山水面貌往往大同小异，这也是邱荣丰作品所扣问的主题。《回声之上》运用了多达75种画风—从文人笔墨、泼墨写意、到现代抽象—不断复製同一道山水，好似时间长廊传过来的山水回声。《Meta-5》六条挂轴的背景描绘了相同的山水构图，只是变换设色和笔墨风格，彷彿不同仿古画家临仿同一件大师的作品，或同一首歌剧曲目由音质各异的歌唱家演绎。在传统的重复中是否仍可产生主观的创造性？《Meta-5》前景奋力横跨画幅向左右延伸的树干，似乎反映画家的探索与思考，而《蜃曲》无疑提供了一个极具创意的解答。作品以衔接爲长卷的十八段独立构图，表现香港十八区代表性的岛屿和山峦，墨笔设色和白描交错的山水意象乍看源自文人传统山水，却可以和香港的航照图一一指掌对照，各段尺幅的长短也反映各区面积的大小。城市景观在画中的刻意缺席让观者更专注于自然与笔墨的美感。明末的董其昌常在观看自然山水中领略古代山水大师的笔法，《蜃曲》透过传统的笔墨和山水意象，将我们熟悉的香港山岛转化为如海市蜃楼般为的世外之境。

此次展览展示了四位画家对香港山水的独特视角及表现方式，反映了他们与自然景观以及中国绘画传统之间丰富而多样的对话。透过他们的作品，我们不仅体会了画家眼中的香港风景，也见证了传统在当代香港水墨画中的创意发展与变化；传统不仅是过去，更指向未来。