馬凌畫廊呈獻紐約藝術家傑里米‧埃弗雷特(Jeremy Everett；1979年出生於美國)首個香港個人展覽《No Exit》。展覽中的藝術作品均未完成創作，呈現了一個不斷在美和凋零之間變動的狀態。埃弗雷特畢業於觀景建築學系(Landscape Architecture)，其後專注於藝術創作，並在加拿大多倫多大學取得藝術創作碩士學位。埃弗雷特來自美國科羅拉多州，早年在原始的生活環境長大，經常與孕育萬物的大自然接觸。受地景藝術大師羅伯特‧史密森(Robert Smithson)和邁克爾‧海澤(Michael Heizer)的影響， 埃弗雷特的創作大多源於直覺，將藝術創作程序帶到一個新領域。 是次展覽的核心是藝術家的一系列與展覽同名的新作 No Exit，作品上的混合媒介讓塑膠薄膜染有淡淡的色彩，薄膜表面帶有一種快將凋逝卻莊嚴的美感。薄膜被設計成褶皺或微微伸延的狀態，其表面及凸凹的動態喚起了一種微妙的詩意：當薄膜與觀者臉對臉時，它呈現了一種不由自主的脆弱狀態，其佈滿紋理的外觀卻予人一種神秘莫測的感覺。這種效果都是來自於展覽作品的試驗性，而非其正規性。埃弗雷特的作品帶領觀者進入一個既科學但隨意的反創作過程：每一件作品都曾經暴露在工作室外的環境中，無論是沙漠還是埃弗雷特家鄉的旱原。這個類近表演的元素在作品原有的魅力上加添一層詩意。 當構思一件作品時，埃弗雷特關注的不是能預見的「成果」，「成果」既不是創作的目的，也不是他所追求的東西，因此作品都是以未完成的方式呈現。比如站在 Film Still 作品系列前面，觀者代入被環境壓迫的角色，先被作品的反光表面吸引，隨即又被它抽象的外貌打破原本的印象，從而思考：「還能看到什麼？」除了這種對觀者視覺上的衝擊外，作品還引領觀者思考作品背後的創作故事：Film Still 系列運用了攝影的曝光和黑房洗相技巧進行創作，卻未曾使用照相機。攝影作為載體從機械的束縛中解放，其核心創作手法(如塗抹感光乳劑後讓作品曝光)被巧妙地運用在抽象繪畫上。埃弗雷特的創作手法突破了現有對於藝術形式的局限，可視為對美國藝術批評家格林伯格(Clement Greenberg；1909－1994)提倡的形式主義理論的挑戰。埃弗雷特的作品就像殘缺的詩句般，永遠存在和不斷演變。 埃弗雷特對於創造和分解的重視可以從 Autoexposure 系列中的作品看得出來，作品以油彩和畫布，利用青版照相法創作而成。與眾不同的地方在於觀者的視覺會彷如被那深藍色的表面吞噬，然後被吸進一個蘊藏豐富細節的地底裡。作品富有原始的味道，眼看像是從另一個世界發掘出來的頹垣敗瓦，面對著這種不能預計的衝擊，觀者頓時變得脆弱不安。埃弗雷特的作品有如被自然災害踐踏而形成的大地，重點非要達至完美，反而是要觀者欣賞缺陷中的美 。 是次《No Exit》展覽透過展示多個系列的作品，讓觀眾感受到埃弗雷特藝術作品具有催眠、超然和令人不安的特質。它們並不規限觀者進行單一解讀，反而透過既隱晦又直接的表達方式，賦予大家無盡的想像空間；透過扭曲的形體，揭示清晰的訊息。藝術品徘徊在混亂與腐朽、秩序與美的邊緣上，在殘缺之中體現完美。未完滿的作品把觀者帶回存在的本質，並讓他們觀照自己脆弱的內心，因爲脆弱正正也是存在中不能取代的一部分。