Contemporary by Angela Li 欣然呈獻《夏季插曲 2020》聯展。展出藝術家香建峰、關四方、陳惠立、劉兆聰、梁凱雅、廖一白、李洪波、呂山川、吳松、彼得‧斯坦豪爾、黃進曦、黃欣欣、吳笛笛、 圓大西和阮家儀的一系列作品。展覽通過繪畫，攝影，雕塑和裝置等各種媒介，展示了每個藝術家的不同藝術實踐和探索。 香建峰以明快富現代感的色彩繪畫動物及風景，探討自然、生命與城市的平衡及衝突。今次展出的《兩生鳥》就描 述兩隻在「小鴉洲」小島相遇的鳥，它們面對自然和都市的抉擇，觀望未來迥異的命運。近年關四方以創作水泥雕塑為主。她在工作室的天台農莊栽種植物，包括日常食用的蔬果，然後把果實倒模轉化成 水泥雕塑，在石屎森林中進行有機生物與建築材料的輪迴，探討自然與城市的共生。今次展出的包括豆角、南瓜、 馬鈴薯及葫蘆瓜等，把尋常瓜果化身富水墨味的當代藝術。 陳惠立近期的創作取態從以往評論其過去的經歷轉移到探討其當刻的内心狀態。由於熱愛游泳，陳開始將此興趣的 元素融入其作品之中。陳首先嘗試以數算不同游泳池的地磚，並在紙張上重構，來記錄一個其兒時常去的公衆游泳 池，而游泳池的空間為陳提供了一個沉澱思緒及創作伸延的渠道。 疫情期間興起行山熱，劉兆聰工作室附近一座小小的嘉頓山也忽然擠滿人，這一時奇景成為了油畫作品《行山熱》。 其繪畫主題側重於自身與其生活環境，喜歡繪畫與自己生活有關的城市景觀。對他而言，記憶像是長期曝光下的照 片，重重複複的經歷，呈現出物象在一個時期而非一瞬間的表現。於是從作品的複合和抽象表現，繪畫便成為記憶 混合後的生活體驗。 梁凱雅創作以繪畫和物料探索為主。她喜歡繪畫能讓人留有含糊的狀態，放任意識遊走於有與無之間，既可依靠感覺而行，憑空想像、又隨時能喚來理性，整理畫面。 而透過與物料互動，則讓她能表達不想直白的情感種種。兩種 手法分別給予她具象與抽象的敘事體驗，從而建構一個屬個人幻想卻又與現實相連的空間。 廖一百的不銹鋼雕塑展現光線之間折射的魅力，令人聯想起畫家泰納的作品。一百的作品及工作室充滿童真，可是 細看之下他的不銹鋼天使反映著光與影，以及周圍環境的影象，這意味著真實的世界被扭曲，有時，並不完美。他 的作品是廖一百自己的回憶及經歷，他以第一身目擊者身份，讓作品賦予了社會政治感染力，同時為金屬作品加添內在情感。 李洪波的作品滲透著濃厚的當代感。利用素材的展性，他的雕塑啟發欣賞者以創新的思維思考，以及展示世界的荒 誕和當代人的心理迷茫。從中國傳統製作「紙葫蘆」的工藝找到可塑性，李洪波把具文化與歷史意涵的素材伸縮至 不同形態，透過挑戰既有概念讓觀賞者重新思考現實世界的模糊性。紙張與刀片在藝術家的雙手幻化成一個又一個 生動的雕塑，敘說著動人的故事。不論是紙造雕塑人像又抑或是紙造樹模型，這些都是藝術家對當代現實的理解。 呂山川以新聞媒體圖片為素材來探索不同社會事件之間的相互關係。透過從新聞得到的啟示，藝術家關注不同的政 治、權力、社會關係之意識形態。新舊聞的圖片在畫布上層層堆疊描繪，形成一幅幅巨大而厚重的油畫。近看下呂 山川的畫作給予觀賞者一種混沌、混亂的感覺，但當觀賞者退後一步，畫面的規律和意義便慢慢開始浮現，這種迷 失到理解的過程成為了閱讀呂山川畫作中重要的一環。 瓶子油畫是吳松的標誌性系列。他在位於蘭桂坊中心地帶的工作室為葡萄酒瓶作畫了二十多年，瓶子不知不覺成為 他繪畫中經常反覆出現的對象。那不僅是源於他對酒的情有獨鍾，更是因為酒瓶演變成一種表達性的「象徵」，讓 藝術家透過繪畫過程來尋找個人身份認同。而靜物花系作品則在柔和的色彩和色調之間保持了謹慎的平衡。這些畫 作看似簡單卻又慎重，筆觸間散發出絲絲的寂寞孤獨情感和沈思，與瓶子系列形成迥然不同的對比。 彼得‧斯坦豪爾於九十年代初第一次訪港，其視線便離不開建築物外那不同顏色的棚架。起初,他以為這些用布料包 起的建築物是著名環境裝置藝術家夫婦克里斯托及珍妮克勞德(Christo and Jeanne-Claude)的作品。後來，斯坦豪爾得 知這是香港獨特的建築方式。至此，斯坦豪爾開始以鮮有的角度記錄香港的城市景觀。繭 的命名象徵建築物從興建 到落成的蛻變，舊有的大廈從殘舊的外牆到翻新後煥然一新的改變，就像毛蟲變成蝴蝶的過程，破繭而出。 80 後的黃進曦專門描繪本地風景，寫生足跡遍佈香港郊野，筆下風光明媚的景致滲透著藝術家對大自然的熱情。他 把在畫布上繪畫景物的過程視為一段新的遊歴，回溯著主觀記憶和寫生紀錄的痕跡，展出的作品《崖上的畫家》更 把畫家置於境中，從另一視點反思個人的存在。 年輕藝術家黃欣欣以繽紛的色彩構建虛幻的自然空間，偶爾與城市交集，時而穿梭著鮮豔奪目的蜂鳥。畫作《模擬 城市》的蜂鳥囚在籠中，意喻對自然的渴望。優美的圖案和小動物常見在她的作品中，她在畫上的一筆一劃猶如一 呼一吸，繽紛夢幻的色彩展現著她對創作的熱情。願觀看畫作的人能在黃欣欣的畫中暫時忘記生活的煩憂與失落， 沉醉於歡欣的色彩之中。 吳笛笛的作品取材藤蔓、竹子、石頭、昆蟲和雜草，自然中最純淨簡單的物質。她的作品處於超寫實和抽象的臨界 點;傳統中國藝術雖然一直沒有出現過純抽象繪畫，但中國卻有非常極致的抽象審美系統:藝術家畫面的背景是運 用反覆上色的手法層迭出宋代汝窯抽象審美的意味，而在結構上可以追溯到書法裡。她賦予畫中物新的符號和獨有 的身份，呈現藝術家看待人性的精神思維和她在創作過程中近乎冥想的狀態。 圓大西的油畫作品，創作核心圍繞著個體深處的召喚，每一筆觸都是隨心而出，隨意而發。畫面擺脫了圖像或個別 藝術話語的解說，並以最純粹的方式表達藝術家的情感和哲學思想。作品上隨意的粗糙紋理不規則地覆蓋著畫面， 流露出藝術家的思維能量轉移，從清醒的意識狀態進入另一個精神領域。圓大西的抽象油畫仿如一面鏡子般，反映 出藝術家在創作過程中的思維導圖的歷程。 阮家儀用家庭式老店舖收集回來的舊式塑膠物件建造香港的天際線，這些塑膠玩具和文具代表了香港五、六十年代曾經輝煌的製造業時代。每件物件都是一個時代標誌，是一道微縮風景，是香港各行各業努力及奮鬥的歷史記錄。